异界法师的现代生活。他将写生视为生活的一部分，理工科的知识结构背景促使他在写生时融入自然科学的视角，从而形成一套独特的观察方法和绘画体系，李玉双称之为“光编码”画法。

　　展览全面梳理李玉双先生从艺迄今六十余年的艺术探索成果，展出涵盖油画、水墨、素描、手稿等形式在内数十余件作品。

　　张淼出生于北京，他于2004年考入中央美术学院油画系，于2008年本科毕业。2010年的画廊个人首展《至自己》开启了他的职业生涯。Halo是他自2010年以来的第六次个人项目。

　　此次展览是邱世华在中国最全面完整的一次亮相，其中包括横跨艺术家25年艺术生涯的布面油画及纸上油画作品，创作地点也体现了邱世华不同的生活阶段，包括北京、深圳，以及美国萨克拉门托。邱世华的白色风景遵循了一千多年前的传统，然而从外观上看，它们似乎非常现代，甚至具有挑衅性。

　　为庆祝常青画廊在中国成立15周年，常青画廊于去年十月开启的一个独特的展览将持续到今夏结束。常青画廊将通过每个月为展览添加新的改变，集合展出曾在常青画廊北京空间举办过首次中国大型个展的多位艺术家的作品，以此回顾十五年历程。

　　这次展览的13件作品是艺术家在2004年至2019年间创作的“无题”系列的代表性作品，同时展出了8件色彩研究手稿。从2004年的作品《无题 作品 97-04》开始，沈忱的创作中不再出现纵横交错的线条，而是使用定制平头笔刷以单一的纵向线条占满整个画布，并且确立了从2004年至今沈忱抽象绘画的绝对性形式语言。

　　段建伟的作品一直以来都具备一个大格局的时空观。从时间的维度上来看，段建伟笔下极具中原色彩的人物身上同时展现着日常的延展性和富有仪式感的瞬时性。从空间上来讲，段建伟所描绘的是一种中国农业社会的缩影, 作品对于人物关系的微妙处理无不渗透着中国社会传统而深远的民族性。

　　本展览将集中呈现艺术家蒲英玮所全新创作的五幅历史性系列组画《时间，历史，我们》，以及与此命题相关的装置与录像。这些作品将是个人与集体国家与种族记忆与当下土地与迷狂的多相重叠，它将横贯于展厅之中，作为一切叙事的可能的链接。

　　本展览将体现数位躯壳的“遗迹”现场，透过艺术家钱泓霖一直关注的创作主题“身体与记忆”，从“数位遗骸”的概念出发，营造出一个科技的未来，数位科技没落后的时空中，人类科技存在的证明产物——一副被抛弃机械残骸的遗迹现场。

　　本次展览主要呈现的是高索都在包头生活期间的所见、所想和所画。面对日益增高的生活和创作成本，以及不断加剧的“我到底应该站在什么位置”的追问和思考，高索都最终还是选择回到包头生活和创作。在此次展览中，高索都追求的并非艺术表达中的准确性和精神性，他更倾向于将这种“梦游”般的文化撕裂感呈现出来。

　　“静音”是艺术家的行为法则——绝对的无声作为一种选择，意味着绘画是一种拒绝系统支撑和观念佐证的实践。“静音”是一个拒绝文字和声音的展览——它不会提供艺术家自述、评论人阐释、展览标签、或是任何其他形式的展览指示。

　　唐永祥绘画中的原始图像取材于生活场景。从现实到图像，再从图像到绘画，唐永祥所关注的始终是从物质到意识的转变过程中形的面貌、形与形联系。基于个体感知与经验，唐永祥透过对图像的层层覆盖、局部错置、向内递进，最终提炼出形的关系结构，重塑了事物的轮廓与肌理。

　　在此次展览的作品中，马轲延续着对人类诗意栖居的关怀，并在绘画语言上通过与二十世纪现代绘画大师的对话，更进一步地探索绘画本质的复杂性，从而敞开绘画自由之门。

　　麦克林被艺术界称为“伟大的色彩学家”，也是继塞尚和马蒂斯之后，深度探讨、构建绘画与色彩关系的艺术家。偏锋画廊在画廊周北京期间隆重推出英国著名艺术家约翰·麦克林逝世周年纪念展“成为约翰·麦克林”，将呈现艺术家自上世纪70年代以来不同阶段的风格和探索，尤其是晚期成熟恣意的绘画形态。

　　“自选集”除了字面含义之外，更重要的是呈现刘港顺的关于自我生成与话语输出的内在逻辑，其作品构成了主体和信息关系的集合，在该层面上我们可以看到艺术家所独有的方法论，它们有时是清晰的、有时是疑惑的，甚至是混沌的、任性的，但我们会阅读出那个丰富而精彩的刘港顺。

　　本次展览汇聚了毕建业的多个绘画系列，从不同面向呈现出他近年来的探索性实践。他将对现实世界的复杂感受转化为巧妙的图像隐喻和主题叙事。作品中具有情绪力的内容和运动感的形式也标志着他在个人绘画线索上的最新推进。展览由策展人王将担纲策划，将持续到6月20日。

　　继王加加2018 年在博而励画廊*（现已更名为SPURS Gallery）的个展“带你飞”后，艺术家的全新创作将首次亮相画廊空间。以创作过程与结果的博弈作为形成作品面貌的方法，以及艺术家对现成品图像的有意选择，令王加加的艺术在围绕着在当代景观中无处不在的数码图像展开叙事的过程中，形成了在流行元素与经典制式矛盾之下、不同文化庞杂交融的精神图谱。

　　2020年是无名画会成员韦海逝世的第十周年，此次同名个展将以小型回顾展的方式缅怀艺术家。韦海无名时期的艺术理念:回归原始、拥抱自然，在大自然中找寻创作纯艺术的激情去对抗艺术政治化，反对一 切艺术标准和权威;到了“后无名时期”，韦海的艺术转为对生命永恒苦难的体验，各种矛 盾的冲撞使之形成广泛反经验的绘画理念，展览将呈现艺术家不同时期创作的转变。

　　多年以来，李洋以科学研究的方式如实记录自己的每一个梦，完成了“少年梦”系列，以及他人的梦“做梦绘画增长”系列，他如同一个梦的捕手一样，事无巨细的描绘每一个梦里出现的意象，并把它们归档，分类，总结和梳理。我们可以把梦作为人的另一种感知的类型，潜意识不是通过文字语言系统在与你沟通，而是透过图像、感觉和情感，还原一个更加真实的此在世界的体验。

　　此次展览展出张丹于2019至2020年创作的最新作品。艺术家以多种媒介，如架上绘画、装置及影像等形式阐述生态系统内万物之间的内在联系，让其自然发生形成观念传达，同时探索某种观念背后存在的意义。展出作品从生态、生命存在、纪念碑三个角度入手，在世界中找到物、物态、某种关系等作为切入点，进而形成艺术家自身独特的对世界的认知体系。

　　AES+F是一支由四位俄罗斯艺术家组成的艺术组合，他们的实践跨越传统媒介和新兴技术。作为AES+F十年来首次在中国举办的个展，“预言·寓言”(What Came toPass)呈现两个由大型影像装置和数码拼贴组成的艺术项目——《集体寓言》( Allegoria Sacra ， 2011-2013) 和《颠倒世界》(Inverso Mundus，2015-2017)。展览旨在对这两件大型作品进行回顾性的自我反思，它们从心理分析的角度分别剖析了2010年代初和中期的人类状态。

　　“白色”是赵赵在2020年的第一个个展，也是对仍在松美术馆展出的“绿色”的延续。与过去的西部三部曲(塔克拉玛干、沙漠骆驼、弥留)不同，这个全新的序列和故事，由颜色的变革开始，它不再局限于地域性和即时性，它的视野和指向的问题变得更加广阔和磅礴，作品中的时空也因此悠长久远。

　　東京画廊+BTAP北京空间本年度首展“还会与你相见——东京画廊+BTAP70周年特展”开启对東京画廊+BTAP极具意义的这一年。届时将邀请東京画廊成立至今合作过的包括徐冰、蔡国强、黄锐、隋建国、宋冬、丁乙、刘小东、何云昌、王舒野、叶剑青、朱建忠、曾健勇等在内的39位中国艺术家参展。展出包括绘画、雕塑、装置、影像在内的八十余件作品。

　　山中天艺术中心以“从屏幕到观念——50年的历史”作为开馆首展，这是国内首个呈现屏幕艺术起源的展览。从约瑟夫·博伊斯到劳伦斯·韦纳，通过30位前卫艺术家的作品对在线屏幕艺术进行溯源。在后疫情时代，人人与屏相伴。该展提醒我们以史为鉴，展望未来，同时为探索、理解和讨论当代艺术如何在线上环境中发挥作用，提供了独特的可能性。

　　“紧急中的沉思”这一展览意味着观众将戴着口罩、彼此间隔两米；刚刚测过体温且温度低于37.2摄氏度；以及通过扫描二维码证明过去十四天没有离京记录——我们从未对观众有过这样多的假设。此次展览在其他计划被放弃或搁置后脱胎成形，它源起于我们共同面对的困境，即流行病学、经济、以及社会组织层面上的不确定性。

　　继2019年的成功亮相之后，本次新势力单元群展由张涵露策展，以“那看见万物的、知道万物的，就是万物”为题展出。“新势力单元”（Up&Coming Sector）以主题群展的形式，聚焦于中国年轻艺术家的创作面貌。

　　画廊周北京“公共单元”将会在户外展出大型的雕塑和装置，希望可以借此将“公共”的概念传达给公众。通过挑选、展示能够和在地直接产生对话的“作品”，“公共单元”旨在强调作品和其所处环境的关系会影响公众观看和理解的方式。

　　由UCCA Lab项目总监尤洋策展的公共单元将在798艺术区中展出大型雕塑和装置，展览名为“塑像”，为期三个月。

　　今年画廊周北京首次推出官方APP，旨在确保全球各地的观众可以远程访问并了解活动内容，包括现场活动日程、地图导航、主题论坛、展览导览等。