综琼瑶之祖孙斗文森·富尼耶为人所熟知的“太空计划”和“巴西利亚” 系列,分别从风景和建筑的切入点展现了在太空探索的黄金年代,人们如何将对未来的畅想凝固在时间里。

　　瓦莱里·卡苏巴从自身的经历、时代和历史不断变化的审美表现形式中汲取了大量灵感。他通过优雅的身躯和充满力量的饱满线条，展示了人类内心对完美的渴望，对美丽和纯粹的向往。

　　陆元敏的《上海人》、《苏州河》系列用镜头记录了90年至今上海人的生活常态和精神面貌。

　　阿尔贝托·佩拉尔的作品展示了一种让人眼前一亮的概念，即最简单也最基础的形态所包含的美感和意义的相互碰撞。

　　何博的作品探究私人的历史碎片如何和过往的大历史在同一场域产生链接和共鸣。不同空间过往的功能差异，如今统一被整理、加工或凝缩于背景板供人们扫视或凝视，或被寄存古旧物件、声音、氛围等等之上，围绕但不触及来来往往的人。

　　通过对图像的数字化处理，何塞·曼努埃尔·巴莱斯特舍去了经典画作中的生命迹象或人类活动。当作品脱离人物，风景转而成为主角。在这一过程中，艺术家颠覆了绘画层次结构，打破了既定的视觉秩序，将传统上仅被视为场景的事物置于我们眼前。

　　在多萝西·加维达 & 埃格尔·库尔博凯特的作品中，多种知识体系以跨越时空的方式融合，立足于历史事件和神话传说，探讨历史、神话以及人类与自然之间的联系。

　　骆伯年的成名作《汲瓮》的发表开启了中国人体摄影的先河。骆伯年的作品融合中西技法，并由中国传统审美观所贯穿。

　　杰瑞·尤斯曼制作的图片并非依靠现今习以为常的电脑技术合成，而是出自传统的暗房制作技法，通过多架放大机将不同底片上的影像叠合在一张画面上，制作形成了“纯手工蒙太奇”的艺术图像。

　　康迪达·赫弗的创作以对光线的高度掌握和对摄影技术的严格把控而著称，她最具代表性的作品是她精心构图的建筑物内部空间的大画幅彩色图像，它们探索了空间的结构、表现和影响。

　　© 卡别耶拉·莫拉维茨（Gabriela Morawetz），《当时》，2017-2021。图片致谢｜see+画廊（北京，深圳，成都）

　　波兰裔法国艺术家卡别耶拉·莫拉维茨把摄影比喻成母亲的子宫，她说这就是为什么她的每一件品都是唯一的，持续不断的，没有连续性的，却又都携带着母亲的基因。

　　© 玛姬·泰勒（Maggie Taylor），《夜间渡轮》（Night Ferry），2021。图片致谢｜see+画廊（北京，深圳，成都）

　　玛姬·泰勒自1996年开始运用电脑完成影像创作，她的影像作品都是由旧照片经数码合成，那些来自二手市场的旧照片最早可以追溯到十九世纪三十年代。

　　© 陈秋林 ，《溺》，2021。图片致谢 艺术家与千高原艺术空间（成都）

　　陈秋林的《溺》延续了她自2003年来，对以豆腐作为创作媒介及文化符号的创作探索。作品通过豆腐这一极具东方性的食物，投射出艺术家对其所在本地文化及身份的思考。

　　© 陈萧伊，《横截面：歌者》，2021。图片致谢 ｜ 艺术家与千高原艺术空间（成都）

　　陈萧伊的《横断涟漪纪》系列作品来自于她自2018年以来对于中国西南部的横断山脉的“影像扫描”工作，意图讨论隐藏在矿山、矿洞、矿石的图像表征下的现代性体验、地质时间与生态，以及迷狂体系。

　　© 黎雨诗，《窒息的梦》，2022。图片致谢丨EYECANDIES 眼糖（上海）

　　黎语诗通过社交软件拍摄了不同男性的裸体——在他者的私人化空间中，她转换性别来反思艺术史中男性凝视下的裸体绘画传统。

　　马海伦的最新摄影作品《院子Neighborhood》用自己的镜头语言再现了九十年代新疆乌鲁木齐街区生活的群体记忆。

　　阿尔穆德纳·罗梅罗作品超越了可持续的形式和材料，探索艺术家在当前环境危机中的作用以及我们与自然的关系。

　　© 荒木经惟，《感伤之旅》，1971。图片致谢｜三影堂+3画廊（北京，厦门）

　　荒木经惟的作品著眼于妖媚的花朵、紧缚的裸体、天空景致、食物、东京街景、他饲养的猫等，摄下的物品透过他的镜头，显露出强烈的情欲及毁灭情绪，是日本最具代表性的当代摄影家之一。

　　© 森山大道，《巴黎》（Paris），1971。图片致谢｜三影堂+3画廊（北京，厦门）

　　森山大道曾是日本性先锋摄影团体“挑衅”的旗手人物，也是获得世界公认的重要日本摄影家。他创作具有强烈风格的黑白城市街头摄影，充斥着不安、冲动、焦虑、情欲。

　　© 深濑昌久，《洋子》（Vintage），1970s。图片致谢 三影堂+3画廊（北京，厦门）

　　从相爱、分离、到丧失对她的记忆——鳄部洋子的身影很早就出现在了深濑昌久的作品中。深濑对于洋子的热恋超出了世上的一切。镜头中的洋子或衣着和服、或身穿洋装，千姿百态，俏皮可爱。即使是短暂的一瞬，刻画出的一幕一幕，都表现着深刻而隽永的爱恋。

　　© 须田一政，《风姿花传》，1976。图片致谢 观看当代艺术中心（兰州）

　　须田一政是日本摄影界的财富，自20世纪末第一次亮相以来，他独特视角捕获而来的民族志摄影风格就持续影响着世界范围的日系摄影，时至今日依然如此。

　　© 原久路，《巴尔蒂斯绘画的考察》，2010。图片致谢 三影堂+3画廊（北京，厦门）

　　原久路为再现法国具象派大师巴尔蒂斯绘画中完全不同于镜头光学原理的散点透视，他利用多次曝光，借助遮挡、位移等方法，最终获得了富有吸引力的空间感。

　　坦迪威·穆里乌从非洲的纺织品、日常用品和传统发型中获取灵感。她利用非洲大陆众所周知的丰富色彩和活力来探讨身份和自我认知的问题，探讨了个人如何在文化中失去自我身份。

　　哈桑·哈贾伊重新审视了传统和身份，尤为关注戴面纱的问题。他的作品记录了在摩洛哥或其他地方的街道上遇到的朋友或陌生人的日常生活。

　　黛尔芬·迪亚洛在追求改变殖民主义、男性化和西方对非洲妇女的看法的过程中，引导了一种深刻的精神和女性气质。当机会呈现时，迪亚洛就会将艺术与行动主义结合起来，通过视觉上的挑衅，推动赋予妇女、青年和文化少数群体权力的多种可能性。

　　© 乔瓦尼·欧祖拉（Giovanni Ozzola），《没有方法，有光》（senza metodo, con luce），2020。图片致谢 常青画廊（圣吉米那诺，北京，穆琳，哈瓦那，罗马，圣保罗，巴黎，迪拜）

　　乔瓦尼·欧祖拉运用多元美学形式, 采用包括摄影、录像、装置，以及更传统的方法，如雕刻和湿壁画揭取技术等一系列方式创作。欧祖拉的呈现方式显示了他对光的现象和它的各种物理特性的极度敏感性。

　　© 胡为一，《血湖 No:1》，2022。图片致谢 HdM 画廊（北京，伦敦，巴黎）

　　胡为一带来他的新系列作品“血湖”, 此系列拍摄于青海省察尔汗盐湖,由于水分不断蒸发,盐湖上形成坚硬的盐盖,洁白如雪,湖水也在盐的作用下呈翡翠般碧绿。随后试图使用计算机画笔对这些被记录下来的图像进行手绘处理,于是一抹如鲜血般刺眼红色在图像中诞生了。

　　雨果·德维切尔近年的研究项目“远方”,“七城之岛”,以及“万象-记录”的相关作品多维度展现艺术家如何通过对行星天体、地质景观和动植物标本等图像的别样展现将我们周遭的环境与对过去、现在,以及未来的投射紧密相连。

　　杨泳梁试图将中国传统文人画的审美，尤其是北宋山水画的意蕴与当代艺术的表现方式相结合，此次带来的作品仍延续其将传统山水图式与工业景观拼贴的手法去反思人与自然

　　自1981年发表了历时6年完成的巨作「丝绸之路」之后，筱山纪信于1982年10月通过朝日新闻社发行的又一中国题材力作，作品以独到的创作视角记录了上个世纪70年代西藏的宗教美术，社会人文与自然风光，留下了不可复制的珍贵西藏影像。

　　野口里佳是日本新一代最杰出的摄影师之一。通过处理父亲的照片，她第一次开始思考一个非常基本的问题，即为什么人们要拍照？父亲的照片是非常个人的东西，是为他自己和家人创作的。她突然意识到在冲洗父亲的照片时所体验到的那种满足感，可能会通过摄影的神奇力量传递给其他人。她的视线追随着父亲的视线，或许能够延续给某个人，并给他们带来一些幸福感。

　　居住在马德里的视觉艺术家Antonio Guerra将⾃然的概念作为解决神话/科学分离的起点，并创作了⼀个讲述死亡、疾病和痛苦等普遍主题的故事。本书以⻄班⽛内陆农村地区的⾃然环境作为反思的象征空间，追溯⼀段穿越科学幻想、死亡神话、理性和情感的旅程，寻找⾃然和⽂化空间之间的界限。

　　本书记录了20世纪80年代牛津大学的学生生活。当时，牛津大学是富人、有权势者和特权者的代名词。这些照片中的许多年轻人，包括鲍里斯·约翰逊和戴维·卡梅伦，都在当权派中找到了职业。然而，在这些照片中，他们的青春是不可否认的：身着西装的青少年庆祝撒切尔在英国和里根在美国的崛起，他们在河上划船、追求浪漫和彻夜狂欢。

　　《深濑昌久1961-1991年回顾展》图录与3月开始在东京都写真美术馆举办的同名展览同时出版发行。深濑昌久的创作主题通常与自身生命密切相关，带有很大的私密性。凭借这种特色，深濑在20世纪60年代为自己在日本摄影史上开创了独属于他的位置。他不断探索摄影的起点，并与其他摄影艺术家共同发展出一种日后称为「私摄影」的日本摄影风潮。

　　本书展现了美国摄影师Saul Leiter在纽约东部的公寓和工作室的内外部景象，追溯了Leiter的生活和故事。Leiter在去世前几年与艺术摄影师井津由美子结识。在Leiter去世三周后，井津开始拍摄他的公寓，随后这项工作一直断断续续持续到2019年。井津由美子的作品常以生死之隙为主题，她以静谧之态捕捉了Leiter鲜为人知的一面。

　　《双喜》关注的是香烟在中国婚宴上扮演的令人意想不到的“角色”。“敬烟”是中国婚宴上一个约定俗成的规矩。新娘子要给每一位到场的男士点烟，以示感谢。同时，来宾会要求新郎新娘完成一些粗糙却也充满想象力的“抽烟”游戏，以表祝福。

　　跟随Franklin Lung这位已逝男子的足迹，本书带领读者重临1912年清朝灭亡的时刻，呈现中国流散族群自1912年到1950年间的汹涌历史。香港摄影师唐景锋结合大量老照片、剪报、信件和摄影作品，讲述了Franklin Lung于20世纪初发生的故事， Lung生于小康之家，接受严谨的菁英教育后来到上海大都会落脚，紧接着风起云涌，中国在20世纪上半叶的种种政治动荡，旋即将他卷入历史的洪流中。

　　《Fries Book》是Same Paper为艺术家PZtoday出版的一本关于薯条亚文化的艺术书。书中还包含了来自全球超过40位薯条爱好者，围绕着薯条展开创作的内容。《Fries Book》看上去是一本被油炸过的书，封面通过满版过UV涂层的方式，模拟油炸食物刚出锅时油腻光亮的质感。包裹在“酥脆”封套里的书籍，是一本布面精装的老式菜谱。

　　徐晓晓的《Shooting the Tiger》展现了中国西北部传统节日“社火”。农民们通过戏剧表演，歌曲，杂技来祈求来年喜获丰收。在一个人与土壤之间的联系变得脆弱的世界里，《Shooting the Tiger》颂扬了中华文化的某一面，它正在消失，或者说，是在演变。传统告诉我们，我们是谁，来自哪里，这一有力的工具将人们连接在一起。

　　瑞典摄影师Anders Petersen在日本南部的冲绳岛完成其首个亚洲国家系列摄影作品。《Okinawa》中的大部分影像此前均未发表。Petersen在前往冲绳之前，简要研究了冲绳的历史，并思考“作为一名普通人和一名摄影师，该如何表达这些信息？” 带着焦虑与疑惑，Petersen集中拍摄了名为“国际通”的街道（那霸市的主要街道），记录了那里的人和小动物。

　　影像上海艺术博览会创立于2014年，旨在回应亚太地区对影像艺术收藏日益增长的兴趣与需求。作为专注于影像艺术媒介的国际平台，影像上海艺术博览会已在过去几年中，对亚洲艺术影像市场起到了至关重要的推动作用，亦建立起了关于影像艺术媒介最为权威和活跃的交流。博览会始终保持开拓精神，聚焦国际前沿，以博物馆品质呈现版块与内容，为亚太藏家、观众和专业人士提供欣赏和发现影像艺术的上佳体验。影像上海艺术博览会由Creo主办，是安格斯·蒙哥马利艺术（Angus Montgomery Arts）的重要组成部分，亦是The Art Assembly的成员博览会之一。

　　安格斯·蒙哥马利艺术（Angus Montgomery Arts）在当代艺术领域拥有40多年的经验，于全球范围内建立了诸多成功的艺术博览会，是亚洲最大规模的艺术博览会主办方。安格斯·蒙哥马利艺术致力于为藏家和画廊提供高质量的区域性艺术博览会，由桑迪·安格斯（Sandy Angus）担任主席，由斯考特·格雷（Scott Gray）担任首席执行官，目前其所创办和组织的博览会包括：台北当代艺术博览会、India Art Fair、Sydney Contemporary、影像上海艺术博览会、Art Central Hong Kong、Art Düsseldorf、Photo London、Art SG，以及即将开启的Tokyo Gendai（2023年7月）、影像纽约艺术博览会（2023年9月）。欲知更多详情，请访问。

　　由Creo发起、组织的活动与项目主要横跨三大领域：摄影、电影和当代艺术。Creo成立于 2007 年，前身为世界摄影组织，此后规模不断扩大，不但持续为影像艺术创造有意义的机遇，还致力于将其扩大至更广泛的文化领域。如今，其核心项目包括索尼世界摄影奖、索尼未来电影人奖、影像上海艺术博览会、Photo London，以及即将启幕的影像纽约艺术博览会（2023年9月）。Creo与安格斯·蒙哥马利艺术（Angus Montgomery Arts）合作，助力其开展业务，呈现数个全球领先的艺术博览会。Creo在拉丁语中代表“我创造”，正是本着这种精神，Creo致力于代理并为创意之声赋权。欲知更多详情，请访问 。