徐靖杰展览分为十二个板块，Bolton并没有以编年体时间顺序来呈现主题，而是用十二种不同的“情绪”来定义并解释，每个人台上方都能找到一个特定的词汇，包括怀旧（Nostalgia）、归属感（Belonging）、快乐（Delight）、喜悦（Joy）、惊奇（Wonder）、亲和（Affinity）、信心（Confidence）、力量（Strength）、欲望（Desire）、自信（Assurance）、舒适（Comfort）和意识（Consciousness）。Bolton知道媒体和观众会对他的归类方式提出困惑，所以在记者会环节，他也明确了自己的观点，“虽然这些辞藻的含义与它们对应的服装设计不尽相同，但它们（后者）通过情感共鸣，被紧密结合在一起，造就了一床有着丰富内涵的‘美国时尚之被’，它与美国这个国家一样，拥有丰富、多元化的不同层面”。

　　展览的发生时期正处于后新冠疫情时代，美国社会从2020年到2021年，除了经历了一场生命损失惨重的流行病大战，也见证了一场打破历史记录的全民公投。特朗普领导下的“民粹政府”终于倒台；拜登率领的新政府班子却因为总统年事已高而变得不够明朗。好在，特朗普终于下台了。因此，这场带有回顾和歌颂性质的时装展览来得太是时候了。

　　突然想起五年前的这个时候，《周末画报》上刊登了一篇名为《美利坚。依旧很美》的专题稿件，撰稿人Elizabeth Peng是一位美籍华裔，她以自己的见解分析了2017年的美国社会。那篇稿件棒到足以作为这场展览的学术背景资料。五年后，果不其然，还是在《周末画报》上，我最爱的同行（之一）唐卓伟先生在他的卷首语里也对“美国时尚”发表了自己趣味却中肯的见解，他说“你总不能都穿着Christian Dior的晚礼服逛超市吧？（除非你是Paris Hilton）你也不能穿着一身萨维尔街定制西服套装去吃兰州拉面吧？（除非你是绅装控）生活中，总有那么些非正式场合需要你穿上轻便舒适的服饰。此时，强调功能性、轻便、态度谦逊的美式风格登场。”

　　如今的美国社会被特朗普搅和得稀烂，而Andrew Bolton希冀于只是借助104套衣服来做概括和总结，的确是需要胆量的，同时，他也需要直面这份勇气带来的失败。

　　展厅入口处便是一块长方形的拼接丹宁布，恰好就裱在展览标题“In America”的正下方，你我都会下意识地将其与美国国旗并置联想。它实则是一件可穿戴头饰，来自制帽大师，Stephen Jones。实用的单宁面料被拼接组合于一体，作品背后实则是设计师和策展人对于#BlackLivesMatter事件的反思。Bolton认为这件作品正好可以开启这场关于美国、关注服装使用、关怀的时尚展。这件作品也将出现在明年五月开幕的展览第二章节，《In America: An Anthology of Fashion（在美国：一部时尚选集）》。

　　Denim Tears和Tommy Hilfiger分别将美国国旗以刺绣拼贴的形式展示了普通的套头毛衣上

　　美国人很喜欢玩国旗，一方面是没有国旗保护法，另一方面是在强烈且相对自由的表达欲下，少数裔及习惯性地对这面诞生于男权奴隶制社会的旗帜表达自己的反抗态度。尤其是非裔美国人，这个历史上饱受压迫的群体尤为喜欢重制国旗，比如Tremaine为Denim Tears设计的毛衣。象征着泛非洲文化的红黑绿三色取代了美国国旗原有的红白蓝，醒目地缝在了胸口，替黑人群体发声。Denim Tears听起来有点陌生，但你或许见过Kanye穿过的这条牛仔裤。在经典的Levi’s牛仔裤上绣着白色棉花图案，象征着过去主要由黑奴从事的棉花种植业，而把它穿在身上，则是在提醒人们，那些被忽视的黑人所做出的贡献，变色的国旗使得他们不再隐形。

　　在红黑绿国旗毛衣的边上则是一件再普通不过的美国文化衫（也就是如今放在店铺里最容易被卖出去的卫衣）。这件来自Tommy Hilfiger的卫衣除了小小的Logo，可以说是毫无特点，却也恰恰标志着美国（过去）强大的成衣制造业：一个美国国民品牌设计制造生产出美国老百姓统一会穿的衣服。而这恰恰也是外人眼中，美国时尚的标签。就这一观点，从美国版VOGUE主编Anna Wintour到数代美国时装设计师们，再到策展人Andrew Bolton，他们都在极尽全力地试图撕掉这层标签上隐晦的不自信和自我偏见。

　　Prabal Gurung以选美小姐为灵感的礼服裙，标志性的绶带上并没有写着“Miss America”这样的字样，而是“Who gets to be American？”简单的问句，背后却是复杂的情绪。

　　美国国旗到底在庇佑着谁？新一代美国时装设计师中流砥柱Prabal Gurung借由一套礼服抛出了这个问题。人台上，一套犹如选美小姐一般的白裙，腰间绽放着花束，肩上佩戴着一条醒目的绶带。但花束却是向下摇摇欲坠的；绶带上并没有写着“Miss America”这样的字样，而是“Who gets to be American？”简单的问句，背后却是复杂的情绪。既有对美国多元文化的歌颂，却也总因移民问题伤心。从一百多年前的排华法案，到五年前特朗普在墨西哥边境高筑的隔离之墙，再到最近美国电视新闻里的“美国边境骑兵游猎一般驱逐还泡在水里的海地人”……多民族既是美国的根也是美国的痛。在词典里，这条裙子代表“归属感Belonging”。

　　Ralph Lauren和Bode，美国的布片拼接设计类似于中国的百家布文化，都带有怀旧情结

　　既然是关于美国时尚的展览，自然也有对美国几百年历史传统的回顾。比如代表“怀旧Nostalgia”是一套出自Ralph Lauren在1980年代设计的套装，上身是嵌花针织毛衣，下身是一条碎步拼接A字型过膝裙，经典的Ralph Lauren风格中暗含着19世纪美国西部拓张运动时期的审美。根据特纳的边界理论，那正是美国民族融合与认同发生的时期。犹如妈妈牌毛衣（Ugly Sweater），无论哪年圣诞节，翻出来穿，都是恰合时宜的。

　　布片拼接裙一方面在忆苦思甜，一方面也呼应展览的主题语，“America is A Patchwork Quilt，not Blanket”，美国是多民族文化融合而成的百家被，而非单单一块布。同样切中Patchwork主题的还有年轻品牌Bode，设计师兼品牌创始人Emily Adams Bode用全世界收集来的古布——让人想起日本男装品牌Junya Watanabe——拼出了颇具美式粗犷审美的男士套装。

　　1939年，在Balmain、Dior、Givenchy等巴黎高级定制翘楚们尚未创立时，已在英法时尚圈闯荡一番的Charles James回到美国，成立了自己的同名高级定制时装屋。对于美国时尚而言，这位美国高定之父的作品绝既是陌生的，又是必不可少的。Bolton选择了一条Charles James的裹身黑裙用于展示美国现代时装最早期的魅力。展览也把近似设计贴上了近义词标签，不同设计师在不同时代的相似并置在一个空间。Bolton认为Tom Ford设计的黑裙便延续了Charles James的黑裙魅力，并加入了适合他自己的性感元素，使前者有了强烈的性诱惑。令人心痛的是，展览开幕第二天，Ford便痛失相伴多年的爱侣。然而Tom Ford最有代表性的男装设计并未出现在展览现场。在Tom Ford边上的是现年72岁的时尚历史见证者，婚纱女王，Vera Wang。不知是否是为了迎合“近义词”这样的设计理念，Vera Wang的那些被载入史册的婚纱设计也缺席了。她为美国名流，诸如卡戴珊家族、Mariah Carey等人设计的婚纱反倒是诠释“美国时尚”的一幅独立面孔。

　　Thom Browne是现场唯一一个展示男士正装的品牌。虽然Thom Browne的套装远远称不上标准的“绅装”，但他的出现却让久未穿上西服套装的男士重燃对前者的渴望。跟Thom Browne一样，那些当年决定把发布会从纽约班级至巴黎的美国时装品牌都在2022春夏时装季悉数归巢了。

　　创牌已经四十年的Michael Kors被选中的展品是一条当季的缀满亮片的金色礼服，以及一件与之相呼应的大衣，奢华之余，还有舒适自信的味道。在Met Gala上，超模Vittoria Ceretti穿的正是这件礼服的定制版。如果我们将“美国时尚”解读为一种“美式炫耀”，Michael Kors自然是无法逾越的。品牌基因里的“Jet Set”式生活方式本就得益于1970年代整体经济繁荣下的美国新贵们坐着私人飞机横跨美国去赌场逍遥，或是直接飞跃大西洋去巴黎疯狂扫货的大背景下。可惜的是，在人们对飞行已经习以为常，却又因疫情受困的今天，Jet Set已是一个略显过时的生活方式。

　　当最实穿的衣服变得不实穿时，它和巴黎高定周上那些用于展示极致浪漫和极致奢华的大裙子却又不是一回事，美国时尚在这个方面总是会这样，有点“哗众取宠”，甚至是有点“丑人多作怪”。

　　现在时兴的生活方式更为运动和轻松，而美国时尚总是紧贴当下生活方式的，永远都在强调服装的使用场合和舒适度。今天的美国依旧到处充斥着运动套装和卫衣帽衫，广大美国人出门随便套件大学书店里买的的卫衣，这种率性的生活方式在潜移默化地影响着运动化时尚的大趋势。Bolton之所以会挑选BSTROY设计的帽衫+运动裤+运动鞋套装，想必也是认为这套Look是最具代表性的，最普通的灰色斜纹布直接复制于美国大众的衣橱，设计师甚至还“自我复制粘贴”缝制了一件双人同穿的帽衫。当最实穿的衣服变得不实穿时，它和巴黎高定周上那些用于展示极致浪漫和极致奢华的大裙子却又不是一回事，美国时尚在这个方面总是会这样，有点“哗众取宠”，甚至是有点“丑人多作怪”。旁边的ERL则向美式校园棒球服开刀，更引人注目的是这套Look的穿搭方式——内裤和毛线衣裤外穿。设计师在注解栏里表示，这其实是想要体现更衣室里的场景。

　　与美式运动休闲风紧密相关的运动鞋实则是如今美国时尚最重要组成部分，然而它并未在展览中得到醒目的体现。但是由Kanye West设计的Yeezy意外地缺席了。这是此次展览众多遗憾之一。

　　比如在本届Met Gala红毯上以身试教，呈现美式穿搭的Jerry Lorenzo（Fear of God的创始人）。还有Heron Preston，他的展品是一件真实的环卫服，与纽约环卫部门的合作结晶。虽然纽约的卫生条件一言难尽吧，但来自街头巷尾的美式工装也是美式时尚不得不提的一部分。Heron Preston也于早前加入美国时尚品牌Calvin Klein，是Donda迈向传统时尚业的又一步。可惜一度定义了美国时尚的Calvin Klein牛仔裤和内裤并没有在展览中出现，也没有给时髦精留下对Calvin Klein 205W39NYC的回忆杀。

　　美国街头时尚的鼻祖之一是如今东山再起的Dapper Dan。年轻一代大多是通过他与Gucci的跨界合作重新了解到他的。1980年代，他自己做的那些假Louis Vuitton，假Gucci，假MCM一直都是争议和风尚的风暴眼。这些产物到底是来自纯正街头的Bootleg文化，还是被Andrew Bolton用学术化的“真实性”(Realness)定义更为贴切？是曾经遭受过大品牌法律诉讼的抄袭，还是最近和Gucci破天荒的，相亲相爱的官方合作？大众很难对他做出一个确切的评价，因为背后有复杂的有关非裔美国人的历史，文化，经济和政治因素。

　　尽管运动服是大多数人对美国时尚的第一印象，但Bolton还是在展览导语墙上便直言要打破它，让人们认识到美国时尚的华丽词藻，可以和欧洲时尚一样，有着深情浪漫的一面。

　　比如揉合了机能品牌始祖鸟和蓬纱裙的Off-White就处在街头时尚和高级时尚的边界。尤其是在创始人Virgil Abloh成为Louis Vuitton男装部门创意总监后，街头的酷和时装的美，两者间的界限被打破，并一定程度上，影响了当代男装的发展方向。类似的游走于边界的还有Hood by Air。在很多中国潮流玩家的印象里，Hood by Air是很多年前的那个烂大街的潮牌，但设计师Shayne Oliver想做的一直是“一个多元的艺术单位”。现在潮流退去，品牌更多的是以一个音乐创意单位的形式出现。Shayne对潮流，时尚和艺术的先锋想法在这件拼接、破坏、销售包装等等杂糅在一起的姑且算是西装套装上得以体现。

　　真正把时尚“玩起来”的美国设计师其实一直都是Jeremy Scott，虽然他的名气总是不及Marc Jacobs，但他的天马行空往往都是来自服装本身，甚少借助秀场装置做背景烘托。一件后开衩的西服套装上缝满了大小不一，亮丽颜色的纽扣，奇趣非凡，自然也就被冠以“玩味”（Playfulness）这样的高帽。但这种夸张耀眼的设计正如前文提到的，非常具有美国特色，一种语不惊人死不休的放肆张扬。身为美国人，Jeremy Scott也在新一季Moschino秀场上甚至请来了一位非裔变性残疾人坐在轮椅“走秀”，这一举措真的不能再美国了。

　　年轻一代里，“玩得很疯”的代表人物是Pyer Moss。今年7月，他成为了百年间第一个登陆巴黎高定周官方日程表的非裔美国设计师。可惜这次展出的只是一件体现时尚业被忽视群体的合作系列长裙，没有搬来那些夸张奇妙，完全不具穿戴价值的高级定制服。

　　最后，美式多元文化中最重要的一条：自我表达与尊重包容。Marc Jacobs从Louis Vuitton退下后，逐渐把自己塑造成一个在Instagram坐拥160多万粉丝的LGBTQ Icon。就像这件从《爱丽丝梦游仙境》走出来似的裙子一样，艳丽，精美又有些可爱。最近两年突然大火的Telfar亦是如此，无性别服饰和黑人铂金包的口号在网络上，在销售渠道上几乎是一呼百应。Telfar Clemens的设计的确是有意思的，他总是会在服装的某些部位进行了意想不到的扭曲变形处理，有点Y/Project的神韵，为基本款服饰展现更多可能性。此前他为利比里亚国家队设计奥运服饰也打破了服装的性别边界。

　　Christian Siriano则更进一步，不光打破了性别的界限还要除去身材的限制。同样的黑色吊带穿在了三个不同体型的人台上。中间的人台身材是T台上常见的“标准身形”，左边则是呼应了“大码女模”的身形，右边则是男模，TA们都穿着同样的黑裙。

　　Donna Karen、Oscar de la Renta这些最能代表美国高级成衣水准的品牌都未缺席，但Bolton偏偏没有选择这些品牌最具代表性的设计款式。或许他有自己的顾虑，或是策展思路不同于我们的理解。但Alexander Wang、Yeezy、Nike、Converse、Air Jordan、Supreme的缺失或是失焦，却不得不让人提出质疑，在Bolton的心目中，街头潮流之于美国时尚到底是重要的，还是不受待见的？他是否觉得街头潮流的快速崛起夺走了美国时尚中的光鲜靓丽，甚至是光彩梦幻？

　　从文化角度来说，美国原住民的时装文化也缺失了。在一本展示美国时尚的词典里，一个占据美洲大陆历史绝大部份的群体理应得到体现，更何况今天的印第安银饰通过日本时尚的加工宣传正在全世界流行。

　　整个展览虽说是“一本大词典”，展品之中有相当一部分此前从来都不会用来形容美国时尚。这场被Andrew Bolton一人定义，却没有给人留有开放的添加和修改空间展览意外地让人感到“不愉快”。正如展览所在的场馆一样，在古埃及庙宇边上的一间地下室里，一个个人形模特被放置在一个个白色隔断里，犹如监狱里的囚犯，被拘束的空间加上被限制的展览内容。尽管Bolton特意选择了一些2021秋冬季的新款服饰，却遇上了展览入口处那座数千年前的古埃及石棺。就像木乃伊的衣服一样，也许看起来跟新的一样，但其实已是数千年前的设计罢了。

　　这是美国人眼中的美国时尚吗？估计那些额外拍了半个小时队的美国老百姓自己也会感到困惑。