韩磊老婆其其格2022年6月24日，独立策展人、艺术评论人徐乔斯女士作客第186期银湖沙龙，跟大家分享了“正确打开中国当代艺术的方式：从八十年代的艺术团体谈起。”

　　徐老师长期致力于中国当代艺术策展评论及推广普及工作。正确打开中国当代艺术的方式背后的核心问题，就是如何理解当代艺术发生的历史语境的问题。

　　本次沙龙，徐老师结合艺术发展、美学理论与自身实践，概述了中国当代艺术发轫的历史条件及背景，重点介绍了被誉为中国当代艺术开端的“星星美展”、“伤痕美术”和“生活流”艺术潮流，以及“85美术新潮”运动中涌现出来的代表性的艺术团体及代表艺术家，让听众对于中国当代艺术的生成有了初步的了解，并将这种认识引入到当下：当我们今天面对这些艺术家的作品时，应该在怎样的基本历史框架中去考察它们的美学意义和历史价值判断。

　　“星星美展”第一次展览的前言有这么一句话：“我们不能把时间从这里割断，过去的阴影和未来的光明交叠在一起，构成我们今天多重的生活状况。”他们对主流话语提出质疑、对艺术自由表达怀有无比期待的同时，又直面历史是沉重的，是光明与阴影交织在一起的。徐老师通过点评“星星”画家主要成员的代表作品和特色，展现他们如何用接近西方的现代方式，去超越中国过去的、历史的阴影，来表达一代人自己的声音。

　　“伤痕美术”是20世纪80年代在四川地区兴起的艺术潮流，强调回归真正的现实主义，将关注点聚集在普通人上，是美术界关于思想解放和艺术民主的一次重要尝试。之所以发展于四川地区，高考政策的恢复是其产生的基础，且当时的艺术创作者均有着丰富的生活经验，了解普通群众的疾苦与真实生活。

　　罗中立的《父亲》是这一潮流的典型代表作，画中的父亲脸庞饱经沧桑，因常年的劳作过早地衰老，代表了当时中国千千万万的农民。高小华的《为什么》也是“伤痕美术”的代表作之一。徐老师还补充介绍朱宪民的《民以食为天》，从摄影的角度，说明在某种程度上，“伤痕美术”的任务就是要展现一个真实的历史现实，不加美化和修饰的社会场景。

　　在“伤痕美术”方兴未艾之时，“生活流”绘画出现了。“生活流”绘画也叫“乡土写实主义绘画”，因为这类绘画中的人物与场景，几乎全部出现在偏远的山区、农村或边疆，并且运用的基本都是写实手法。陈丹青的《西藏组画》系列，把一向给人神秘感的西藏风土人情带进画中，表现出不同的美学风貌。庞茂琨凭借《苹果熟了》一举成名。

　　20世纪80年代，中国美术界发生了风起云涌的被称之为“85美术新潮”的当代美术思潮现象，全国形成上百个自发组成的艺术创作群体。徐老师着重介绍了北方艺术群体、西南艺术群体和湖北的艺术群体。

　　由王广义、舒群、任戬、刘彦等人组成的“北方艺术群体”，极其注重理论上的建设和借助媒体传递信息，注重从西方中世纪、古典哲学以及中国传统文化中汲取营养，公开宣称：“我们的绘画并不是艺术！它仅仅是传达我们思想的一种手段，它必须也只能是我们全部思想中的一个局部。”北方艺术群体核心理念是主张发展理性精神，重视绘画作品对“理性”精神的表达，呈现出“寒冷、庄严、崇高”的特征。

　　西南艺术群体与毛旭辉、张晓刚、叶永青、潘德海等西南青年艺术家密不可分，他们最初亮出的旗号是“新具象”，就是指“心灵的具象，灵魂的具象。”群体在理论上张扬生命精神与原始主义，这固然与云南、四川的地域以及多民族的本土特色有关，但是该群体的艺术家并不是乡土风情的风格主义者，相反是生命哲学的“表现主义者”，强调“艺术，首先是震撼灵魂，而不是取悦眼睛”。他们不是来取悦于观众，而是要表现出“一种反叛精神”。比如，毛旭辉在一大批作品中大力渲染理性压制下的人性扭曲、精神压抑、肉体的本能与心灵的受伤，并以自己的方式提出了对生命存在意义的终极思考。张晓刚通过死亡与梦幻两大母题，由此进而思考“生命与死亡之间那伟大的存在”。

　　湖北是“85美术新潮”一个重要的艺术场域。“湖北青年美术节”涌现出了一批颇具创新意识的青年艺术家。1986年12月，李邦耀、曹丹、方少华、魏光庆等15位湖北美院青年教师自发组成“部落·部落”群体，他们没有明确的艺术主张，追求艺术语言的完善与精纯。90年代，湖北艺术家开始陆续走出湖北，或北上到北京，或南下到珠三角的广州、深圳等地，创作手法、材料、主题、风格都更加多元、前卫。

　　80年代中国当代艺术运动以“89现代艺术大展”谢幕，白底黑字的招牌，鲜红色的“不许掉头”的交通标志醒目而刺眼。它不仅呈现了中国当代艺术中纷繁的艺术流派，也呈现了那个时代激情与混乱、理想与躁动同时并存的文化现实。

　　在交流互动环节，与会嘉宾纷纷发表了各自对中国当代艺术的思考。有的认为艺术是自由之门和领悟之门，有的对当代艺术与批判现实精神的关系颇感兴趣。

　　主持人南洁老师总结说，当代艺术在中国的发展，是和中国经济的改革开放、思想解放同步而行的，它已经超越了艺术的表达手段限制，更是一种观念的表达，这种差异表达既是一种具有独立思辨能力的自我感受，也是探索人类终极命运可能、避免断层的沟通链接点。相信在未来，艺术与社会学和人类学会有更多的关联。

　　嘉宾王昭禾先生是资深的包豪斯艺术设计研究者，他密切关注资本与艺术的关系，提出如何看待艺术背后的资本运作。徐老师认为，艺术当然不能与商业作品混为一谈，艺术一定要超越生活。但也不能忽视艺术家的生存难题，既要欣赏艺术家和资本家的杰出成就，也要理解他们的人性部分。

　　嘉宾刘伟老师说，谈到深圳，一直以来大家就认为这是一个挣钱的地方。没想到今天徐老师打破了这种认知，徐老师作为一个80后的深二代，居然还对中国当代艺术有这么深厚的研究，她对中国当代艺术的梳理打开了我们的眼界，同时告诉我们如何欣赏艺术，正如周海宏教授讲音乐何须懂，多听就是了。同样艺术何须懂，多去看就好了。

　　嘉宾刘容欣所长感慨徐老师的讲座让她加深了对当代艺术的理解，艺术首先是震撼灵魂，而不是取悦眼睛。当代艺术不仅仅是传统艺术所追求的审美，还是对社会、对人生，对方方面面的更深刻的思考，思考到一定程度，通过艺术的表达进行的创作，达到震撼灵魂的境界。

　　刘所还提问很多艺术家的艺术创作理想和社会生存两者之间的矛盾如何平衡的问题。

　　徐老师回应一个残酷的事实就是这个世界不需要太多的艺术家。所以对于个体而言，需要做一些抉择，不能什么都要，你选择了什么样的生活方式，就要舍弃另外一些。再者，中国的艺术机制相当差，而西方会有基金会，有很多非盈利的体系等等，会支持纯粹的艺术创作。刘伟老师感慨美第奇家族撑起了一座“文艺复兴艺术宝库”，期待深圳能出现大富豪们对大艺术家的创作情怀的支持这样的现象。

　　回到有的嘉宾提出的孩子的艺术教育问题，徐老师认为中国最大的问题是缺乏艺术教育，即便有也是不够开放的，是很规矩的。而艺术教育一定要是开放的，可以自由选择的。一个有得选的世界，才是一个幸福感比较高的世界！

　　关于如何学习中国当代艺术，徐老师直言，不要依赖思辨，文本、阐释，这些都只是一种辅助。要锻炼视觉，把眼睛训练出来，看得多了，自然会慢慢懂得艺术家的逻辑。多对话，多交流，也是一种很好的学习方式。艺术一定是跟个体的体验和反思结合在一起的，人类精神核心的一种力量。

　　对于如何打开当代艺术之门，徐老师说，正确打开方式是正确理解艺术发生的语境，就是一个历史。更浓缩一点来说，就是历史判断先于审美判断。